Les extraordinaires compositions de jazz du pianiste Jean-Michel Pilc

(photo de Robbert Kamphuis)

Le pianiste de jazz Jean-Michel Pilc est un audiophile à tous points de vue. Mais comme beaucoup de ceux qui ont pris goût à un bon équipement audio, il a rencontré quelques difficultés en cours de route.

« Avant, j’étais un grand audiophile. J’avais du matériel Linn et Naim, mais il y a longtemps, j’ai divorcé », explique-t-il lors d’une récente interview depuis son domicile à Montréal. « Puis un chat a marché sur ma platine Linn Sondek et a détruit la cartouche. Je me suis dit : « D’accord, c’est le moment de vendre et d’aider mon compte en banque ». Finalement, je suis devenu musicien de jazz et je n’avais plus d’argent, alors bien sûr, j’ai cessé d’être audiophile ».

« Mais j’ai encore de bonnes choses ici. Une platine Rega, des enceintes Rega, une nouvelle cartouche Ortofon black LVB et un lecteur de CD Marantz. Le son est bon. Je préfère toujours le vinyle (au numérique), mais le Marantz sonne vraiment bien. Tout cela m’a procuré beaucoup de plaisir. Je pense que c’est une bonne chose pour un système qui n’est pas trop cher.

En plus d’être un musicien qui sait ce que signifie écouter de la musique sur du matériel haut de gamme, Pilc est aussi une sorte d’ingénieur du son, ou du moins un musicien qui se consacre à l’enregistrement de ses propres concerts.

« J’enregistre tous mes concerts. Je suis un peu fou. Je ne sais pas si c’est une question de collection ou quoi ? Les gens collectionnent les timbres, moi je collectionne la musique. Mais je sais aussi que, parfois, les concerts sont vraiment bons, et j’ai l’impression qu’il est dommage que beaucoup de gens ne les entendent jamais. »

L’un de ses enregistrements avec le trio composé du bassiste Remí-Jean LeBlanc et du batteur Jim Doxas a récemment été publié sur l’étiquette montréalaise Justin Time sous le titre Jean-Michel Pilc, Alive-Live at Dièse Onze, Montréal.

« Je l’ai enregistré comme d’habitude. Je n’y pense même pas. J’appuie sur le bouton et j’oublie. Mais cette nuit-là était spéciale. Le titre est approprié, car nous avons été confinés (à cause du COVID) pendant si longtemps que j’ai eu l’impression de revenir à la vie. J’ai eu l’impression que le public réagissait de la même manière. Ils étaient avides de musique. Nous avions faim de musique. Dès le début, j’ai senti que la musique était spéciale. Il y avait une intensité et une émotion qui ne se produisent pas à chaque fois, loin de là.
« Les deux ensembles étaient vraiment différents, mais ils étaient marqués par cette qualité spéciale, cette vibration, cette énergie ou cet amour, quel que soit le nom qu’on leur donne : ils étaient très différents et pourtant ils se complétaient l’un l’autre. Et cela n’arrive pas souvent. Parfois, on fait un excellent premier set, puis on passe au deuxième set et il n’y a plus rien. C’est un peu comme si le premier set avait pris tout ce qu’il y avait en vous. Parfois, c’est l’inverse, le premier set est médiocre et dans le deuxième set, tout le monde reprend vie.

(photo de Dave Kaufman)

Pilc utilise un enregistreur Roland portable. Il est équipé de micros intégrés et il apprécie à la fois sa durabilité – « Il est tombé une dizaine de fois et n’a jamais cessé de fonctionner. Il est comme une pierre », mais aussi la chaleur du son qu’il capture.

« C’est essentiellement ce que les gens faisaient dans les années 60. Vous vous souvenez de Mingus avec Parker et Gillespie à Toronto au Massey Hall, ou de Bill Evans au Vanguard ? À l’époque, il s’agissait de Nagras, des machines stéréo qui étaient dix fois plus lourdes que ce que j’utilise, mais ils installaient simplement une machine avec deux micros ou même un seul micro lorsqu’il s’agissait d’un mono. Lorsque vous écoutez At The Pershing d’Ahmad Jamal, c’est ainsi que les choses se passaient.

« Le son (fait avec le Roland) est ce qu’il est, mais il est très décent, surtout pour un trio. Je ne veux pas que cela se sache trop, car les gens arrêteraient d’acheter les disques en disant que l’ingénieur du son est nul. (Rires). Le jour où je ne serai plus là, les gens pourront écouter certains de ces concerts et dire : « C’était génial ! Peut-être que mes enfants gagneront de l’argent avec ça, comme Ravi Coltrane avec les enregistrements de son père. Oui, je me compare à Coltrane, mais je suis égocentrique, c’est l’un de mes défauts. (Rires).

Arrivé à New York en 1995, Pilc forme un trio avec le bassiste François Moutin et le batteur Ari Hoenig et commence à se produire et à enregistrer pour A-Records, Dreyfus et Motema. En chemin, il a joué avec des sommités du jazz telles que Roy Haynes, Michael Brecker, Dave Liebman, Marcus Miller, Chris Potter et John Abercrombie. Il a travaillé avec Harry Belafonte, dont il était le directeur musical et le pianiste, et a interprété un duo avec la légendaire chanteuse d’opéra Jessye Norman.

(photo de Robbert Kamphuis)

Il est également un éminent pédagogue qui a fait partie de la faculté de l’Université de New York de 2006 à 2015, avant de rejoindre l’École de musique Schulich de l’Université McGill à Montréal en 2015. Il continue de jouer et d’enregistrer en solo et avec des groupes basés à New York tels que Pilc-Moutin-Hoenig et son US Trio avec Sam Minaie et Jerad Lippi. Sur Alive, Pilc a écrit le titre et la chanson « 11 Sharp ». L’album est complété par la chanson de Hammerstein-Romberg « Softly as In a Morning Sunrise » et deux reprises de Miles Davis « Nardis » et « All Blues ». Le concert a été entièrement enregistré et le reste de la musique, y compris deux autres originaux de Davis et une interprétation de « Eleanor Rigby » des Beatles, n’est disponible que sous forme numérique sur la plupart des sites de diffusion en continu. Alors que certains musiciens considèrent que faire de la musique d’autrui, ce que l’on appelle communément une « reprise », est un anathème pour leur art, Pilc voit les choses d’une autre manière.

Le mot « couverture » ne me vient jamais à l’esprit, sauf lorsque d’autres personnes l’utilisent. C’est complètement absurde. Je suis un improvisateur », déclare-t-il. « Je suis quelqu’un qui façonne le matériel. Je pense que « All Blues », « Nardis » et « Eleanor Rigby » sont des morceaux magnifiques et je suis très reconnaissant à Miles et Paul McCartney de les avoir écrits. Ce sont des œuvres de génie. Au moment où je les joue, je ne sais pas s’il s’agit de reprises. Il s’agit simplement de quelque chose que j’entends dans mon esprit et sur lequel j’ai envie de jouer. Lorsque vous écoutez « Eleanor Rigby », (sur Vivant), vous allez remarquer que je commence à improviser et que c’est très bluesy et soudain (il chante les changements de « Eleanor Rigby ») et je me dis, « Oh, c’est une citation » et soudain la mélodie ne me quitte plus, la mélodie veut être jouée. Je laisse la musique décider. Le résultat est donc très différent de l’original car je n’ai pas du tout pensé à l’original. Pour moi, une reprise n’est qu’une improvisation à partir d’un matériel qui existe déjà. C’est la même chose qu’un sculpteur qui utilise un modèle. C’est une source d’inspiration ».

Dans tous ses enregistrements, Pilc fait preuve d’une grande imagination et d’une grande technique en tant que pianiste. Plus que tout autre, ses idées et ses émotions semblent intimement et immédiatement liées à ses mains, oscillant souvent entre l’exaltation et le désespoir dans une même composition.

« Lorsque j’écoute les grands musiciens, par exemple Monk, Vladimir Horowitz, Bill Evans ou Art Tatum, la seule chose qu’ils ont en commun, c’est qu’au bout du compte, ils n’écoutent plus vraiment le piano », explique-t-il. « On écoute la musique. Les gens ont tendance à être obsédés par le piano. Lorsqu’ils écoutent Art Tatum, ils se disent : « Wow, ce type a une technique ! ». Et c’est vrai, bien sûr. Mais comme Oscar Peterson l’a dit un jour à propos d’Art Tatum, ce qui m’a le plus frappé (chez Tatum), ce n’est pas sa virtuosité – c’est évident, il était unique en son genre – mais c’est l’émotion, la narration et l’harmonie qu’il utilisait. Lorsque j’écoute Tatum, ce n’est pas le piano que j’entends, c’est une symphonie. C’est cette vague de sons qui m’emporte. C’est la même chose avec Coltrane et le saxophone.

« La musique que j’entends est en moi. Le piano est mon outil. C’est un morceau de bois. Comme je le dis à mes étudiants, si vous mettez le feu à un piano, il brûlera. Il ne va pas en souffrir. C’est un objet. Je suis l’instrument de musique. La musique doit se servir de moi pour produire quelque chose : un son, des émotions, des sentiments ».